2019年8月20日

【2019未來之星】專訪《暑假最後一天》北藝大創作團隊與《山雞》新銳動畫導演周子羣

採訪編輯：彌賽亞創意/Amos；國立臺灣師範大學圖文傳播學系/張晏榕

★ 《暑假最後一天》獲獎經歷：

2018新北市學生影像新星獎「最佳動畫」、巴哈姆特ACG創作大賽動畫組「銀獎」、第十三屆螺絲起子學生短片創作影展動畫類「佳作」等

關鍵字：北藝大動畫系、暑假最後一天、山雞、動畫前期、台灣新浪潮時期、長鏡頭、荷蘭烏特勒支藝術學院

Q：《暑假最後一天》最初靈感來源及影片構想?

子羣：會想到用「煙火」這題材的原因其實有點好笑，當初我們因為都想做和屁孩有關的動畫所以才決定一組，寒假在線上討論故事時，原本陷入困境，大家遲遲想不出理想和屁孩有關的題材，因為當時剛好遇到過年，高雄市舉辦西子灣煙火秀，在網路上有直播，我就跟組員說：「我們先休息一下，我想看一下直播。」直播看完，組員自暴自棄的亂提：「不然做煙火好了」，結果大家突然覺得這個可行，就往這方向前進了...哈哈哈...

Q：可否談談《暑假最後一天》世界觀和角色設定的發想過程?

信萱：

世界觀：最初，團隊是為了發展以「孩子」為出發點的故事，過程中重心緩緩轉向至探討孩童成長中的「惡」。但在後期，我們發現由「逃避」，這個每個人心中都有的「惡」為出發點，將孩子這個純粹的角色帶入，令成長或未成長的觀眾，都能夠好好去思考成長與逃避之間，是否有決定性的關聯?亦或者逃避只是我們的本能呢?

角色設定：做初期設定時，我們給角色們的背景也做了設定。例如：主角A(平頭)男孩是隔代教養的家庭，從小就是阿嬤拉拔長大。平時阿嬤要出門工作無法陪伴，所以他常常偷偷騎阿嬤的腳踏車，帶看似小弟的朋友們一起到處玩。B(連身帽)男孩則是家中最近有一個新成員誕生，剛當上哥哥的角色，在個性上沈穩的他，也會比較傾向帶領沒見過世面的C(遮眼)一起玩，諸如此類。

Q：如何準備動畫前期（企劃、美術、故事、腳本、分鏡）發展的過程?

子羣：前期部分，或者說是整部片的每個部分，都是我們三個組員一起討論大方向，再由負責美術、分鏡的組員，進行細節的製作。像是腳本的部分，大家共同討論出煙火的劇情主線，兩條故事線的非線性敘事，交叉剪接的敘事，然後再由我進行分鏡的繪製。

Q：請說明《暑假最後一天》這部作品最大困難或挑戰的部分?

子羣：我覺得這次最大的挑戰大概就是嘗試加入對白，加入對白在動畫製作上其實是麻煩度增加很多的選擇，從前期寫劇本對白開始，琢磨每句對白符合角色性格、情緒、必要性，到尋找演員、與演員溝通，中期製作動畫時對口型，後期音效對白必須符合場地空間感，以及製作字幕。真的是會變得非常麻煩，但由於希望這部片能貼近生活，我們還是決定挑戰下去。

Q：影片完成後參加影展、比賽或展覽的一些心得?

子羣：因為《暑假最後一天》和過去擔任動畫的作品《獵人獵人》，榮幸的讓自己幾乎參加了國內大大小小的影展，因為參加這些影展讓自己更了解影展，有機會接觸更多作品、更多創作者，可以說是更打開自己的眼界。每個影展都有每個各自的特色，從「台北電影節」可以看到一群為台灣電影努力的人，從「台中國際動畫影展」能看到為台灣動畫努力的業界人士、學校學生，與他們的交流也更接觸到台北藝術大學外的創作者們，讓我們看到更多類型的作品、創作者及業界人士。

Q：聊聊這部《暑假最後一天》大二的作業，當時團隊專長及分工方式?

子羣：這一部片是大二創作課的作業，當時我們會變成一個團隊，來自我與另一個同學信萱剛好都想做關於屁孩的故事，而剛好她想嘗試美術，我想嘗試分鏡，我們就一拍即合地變成了組員，而後來姿穎也聽說了我們要做一個關於屁孩的題材，而他想嘗試動態，我們便組成了團隊，所以我們的屁孩的題材和每個人的職位在一開始就是定下來的，而後來關於煙火的細節、情節，都是後來我們在詳細討論發展出來的。而後來美術、分鏡的部分，都是三人共同討論出大方向，再由各自負責的組員製作細節。

Q：請舉出最喜歡的動畫作品或導演?喜愛的原因、印象深印的畫面或手法、風格?

子羣：自己蠻喜歡楊德昌導演的電影，作品有蠻受他影響的，自己蠻喜歡「台灣新浪潮」時期的作品，喜歡他們那種紀錄台灣的寫實感、長鏡頭的敘事，所以在《暑假最後一天》和我後來的畢業製作《山雞》，都運用到幾個「長鏡頭」的鏡頭，我覺得長鏡頭是一種把戲中故事時間完整呈現的敘事，他沒有剪接，所以能讓觀眾體現時間，更進入劇情，而少了剪接，觀眾在觀影中不是一再的被給東西，而是可以靜靜得注意畫面中角色的表演，情緒，是一個我喜歡觀看也喜歡使用的敘事方式。

Q：談談對於台灣動畫產業的觀察? 與國外動畫產業的經驗對照建議…

信萱：因為還是學生，要談論對台灣產業的觀察還不敢當。但因自己去荷蘭「烏特勒支藝術學院」的動畫系交換了一學期，期間也有幸遇上荷蘭知名動畫產業論壇PLAYGROUNDS，所以能夠大致說一下我看見的荷蘭產業（可能也是某部分歐洲國家的縮影）和台灣的差異。

首先，荷蘭學習動畫的學生對於該產業發展是看好的，他們提到因為荷蘭政府正積極努力栽培這一塊，所以學生對自己的出路很有信心。此外，上面所提到的PLAYGROUNDS，則是在荷蘭算大型的產業論壇，會邀請許多知名的業界人士來演講，也有人才媒合的環節，但主要是著墨在於演講的部分。在參與PLAYGROUNDS時，我發現不免俗地，演講邀請的陣容大多為知名動畫工作室（特效及3D居多）和一些知名的角色設計師（可能來自皮克斯、迪士尼等等），跟台灣辦活動時會邀請的產業人士其實大同小異。所以由此可知，大家對於成功的動畫產業，第一直覺仍有一個指向性明確的指標，而這個直覺是沒有國界的。

我想台灣學動畫的學生在面對自己的專業和未來，可能是多了荷蘭一些不確定。我們不知道也不確定什麼是台灣的動畫，但又會有聲音說，要先做好才行，你技術都不及他人了，還硬咬著一定要台灣味不放。這樣的矛盾，在跌跌撞撞四年，面臨畢業時，才會發現其實好像不管加入哪個工作室都大同小異，可能出社會後也沒辦法有太多力量繼續做自己的作品。我相信許多人是想要為這個產業盡心力的，但又想這或許不是單純政府挹注資金就能解決得了，也許跟更大的結構有關，也不是我三言兩語能夠說嘴的，畢竟看到的面向還太少。身為一個明年畢業的學生，只期許未來的環境能夠讓人持續產出自己想要的東西又能同時溫飽，讓台灣的動畫產業能夠有正向的循環不斷產生。